ROS VALDOR

Esta soy yo. Vivo en la ciudad de Mar del Plata - Argentina.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 17:41 | Comentarios (0)

Esta es una pregunta polémica.
Para muchos educadores es casi inoperante, ya que preocupados en la enseñanza del arte, se despreocupan de la formación artística que debiera precederle de manera introductiva.
Para ponerlo de una manera comprensible a las mayorías, comencemos diciendo que sin una “teoría” del arte, es imposible verlo o escucharlo. Aún las personas que están menos formadas en el tema, deben elaborar una teoría implícita y personal de la obra para explicársela, por lo menos, de manera particular.
Creo que lo mas acertado sería remitirnos en primer término a la etimología de la palabra ARTE.
Arte proviene inmediatamente del latín “ars”, que significa aptitud, destreza, habilidad para hacer; y, justamente, este principio etimológico del arte, casi se ha perdido o confundido en el tiempo con otro: αισθητιχη (aisthétike) proveniente del griego y que a su vez, deriva de otra palabra griega: αισθανοεμαι (aisthanoemai), que significa “sentir”. Por lo que podemos decir que el origen de la palabra estética está estrechamente ligado con la capacidad de “sentir”. Si lo resumimos un poco, diríamos que la estética del arte, es lo que le da su fundamento aparente, porque está ligada tanto a su creador como a quien la contempla, pero esto como resultado natural. Por esta razón, ese reconocimiento sensible ha primado en las concepciones del arte, cambiando el centro de “ars”, es decir, desde el quehacer, desde la verdadera acción, hacia una tradición filosófica del pensamiento centrado en la belleza.
Ahora bien, este no es un tema fácil de comprender, y si no se lo comprende desde ésta raíz, sería imposible comprender luego, las conexiones directas e intrínsecas del Arte con la Epistemología, Sociología, Sicología y Antropología. No obstante, mi labor aquí es intentar que les quede claro que al hablar de ARTE estamos hablando de algo más que de belleza, y armonía.
Es imposible entender el papel del arte en la educación, si no se lo relaciona con su papel en la cultura y la sociedad de cada tiempo, en cada tiempo, y por sobre todos los tiempos.
Quizá, verdaderamente, los únicos que siguieron fieles a la raíz etimológica y cierta del Arte son los “Artistas”, es decir, no los “Esteticistas”, ya que entre estos, hay claras y expuestas diferencias; mientras los primeros ocupan sus habilidades para crear la obra que comunique el sentimiento o la historia, los segundos, solo se ocupan de exponer en un orden armónico su propia filosofía de la belleza.
No se puede dar a ARTE, una definición absoluta y certera, como dije, es polémica, pero lo que no podemos dejar de interpretar, es que es la PRAXIS DEL SENTIMIENTO E HISTORIA HUMANA EN LOS DIFERENTES TIEMPOS DE LA CULTURA EN LAS DIFERENTES CULTURAS.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 17:51 | Comentarios (0)

ARTE SACRO

Lo artístico, entonces; como dije antes; al ser un hecho que se produce en una sociedad cualquiera determinada, y donde interactúan individuos o grupos de individuos con características propias e intereses específicos, que pueden ser concientes o inconcientes, adquieren una dimensión social que va mas allá de la consideración de intercambio lingüístico o económico. Debe quedarnos claro, así mismo, que a los hechos artísticos podemos considerarlos desde una perspectiva mas subjetiva, es decir, como una experiencia individual o colectiva que fue percibida en su momento (y se percibe en el momento en que se lo contempla o escucha) con características propias. Desde una perspectiva más sicológica podemos llegar a la conclusión de que los hechos artísticos no están dados en objetos, hechos u acciones, sino, que son parte de una compleja red de significaciones tejidas desde tramas y lógicas diversas como cualquier sistema simbólico.
En esta perspectiva se afirma fundamentalmente el ARTE SACRO.
Ahora bien, hablamos de ARTE SACRO, pero ¿Cuál Arte Sacro?
Antes que nada hay que contemplar con cuidado la definición de Arte Sacro, porque la oposición radical entre el arte sacro tradicional, por ejemplo en el ámbito indio, y el arte sacro occidental, no es sino, convergencia cuando se lo asimila con la religión,
¿Pero cual religión? No hay otra sino aquella de “religare” lo terreno con un principio primordial reconocible para el espíritu del hombre, y trasmisor de toda verdad. Y este pensamiento, aunque generalmente inconsciente es el que trasmite el Arte Sacro a través de todas las culturas.
En Todos los Casos se nos está revelando la naturaleza última de una realidad y de la conciencia que la percibe, sea ésta histórica, filosófica o teológica. Por ello el Arte Sacro, fundamentalmente es concebido como un camino de realización humana y espiritual, como una práctica encaminada a posibilitar, tanto al artista creador como a aquel que es capaz de captar la obra de arte; el contacto, la comunicación y en última instancia la realización de la dimensión religiosa, espiritual, mística, sagrada, que constituye la esencia de esa realidad enigmática y misteriosa en que nos hallamos inmersos. El símbolo va a mostrarse como el modo privilegiado de representar y revelar lo Sagrado, mas puro en las culturas indígenas o antiguas y mas velados en aquellas culturas occidentales clásicas o modernas. La contemplación de una obra de arte sacro, cobra así un nuevo sentido en el arte, en el cual la contemplación del símbolo permite la profundización en niveles de conciencia y de la realidad, cualquiera fuese, hasta acceder a la identificación con el objeto contemplado. La contemplación que el artista debe haber llevado a cabo de la realidad que trata de expresar a través de su creación, es la misma que ha de lograr aquel que accede al goce estético y de comprensión mediante la contemplación de la obra de arte. De ahí un estilo de Arte, llamado Sacro.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:08 | Comentarios (0)

NACIMIENTO DEL ARTE COMO “ARS”

Voy a hablar a grandes rasgos del nacimiento del arte.
Un nacimiento que se produce por supuesto en la prehistoria, antes que la escritura y la fonetización ordenada.
Los primeros hallazgos de arte paleolítico fueron piezas de arte mueble (de tamaño pequeño y que podían transportarse) descubiertas en las cuevas y abrigos rocosos del suroeste de Francia en la década de 1860. Los objetos eran indudablemente antiguos, probablemente herramientas y útiles paleolíticos así como huesos de animales del periodo glacial.
Aparte de los hallazgos esporádicos de objetos decorativos de épocas precedentes, los descubrimientos más antiguos de arte paleolítico se sitúan dentro del periodo auriñaciense, hace 32.000 años. Tales objetos son, por un lado, pequeñas estatuillas antropomórficas y zoomorfas talladas en marfil y piedra, aparecidas en yacimientos del suroeste de Alemania y Austria; y por otro, sofisticadas pinturas como las recientemente descubiertas en la cueva de Chauvet en Ardeche (Francia). Las pruebas de carbono 14 realizadas sobre dos figuras de rinoceronte lanudo y una de bisonte han arrojado una antigüedad de entre 30.000 y 32.000 años, convirtiendo a estas pinturas, por el momento, en las más antiguas del mundo El arte rupestre comprende una asombrosa variedad de técnicas. Un recurso llamativo fue la utilización de las protuberancias naturales de la roca y las estalactitas para acentuar o representar determinadas figuras. La manera más simple de transformar las paredes de la cueva fue imprimir la huella de los dedos sobre la capa de barro que recubre la roca. En algunas cuevas, estas marcas también representan figuras reconocibles. El trabajo en arcilla, limitado al área pirenaica, se extiende desde la estampación sobre las paredes de las huellas de las manos hasta los grabados en el suelo de la cueva y la realización de bajorrelieves mediante la acumulación de grandes cantidades de arcilla. Los famosos bisontes de Le Tuc d'Audoubert están modelados en altorrelieve, y el oso tridimensional de Montespan contiene cerca de 700 kilos (más de media tonelada) de arcilla. Las figuras de barro sólo se han encontrado en las zonas más profundas y oscuras de las cuevas, mientras que las esculturas en piedra han aparecido siempre en los abrigos rocosos o en las partes iluminadas de las cuevas, es decir, en el tramo más próximo a la entrada. La escultura rupestre, tanto en alto como en bajorrelieve, se limita a la región central de Francia, zona con abundancia de piedra caliza. Casi todas estas esculturas tienen restos de pigmento rojo, lo que demuestra que en su momento estuvieron pintadas, como la mayoría del arte mueble. El pigmento rojo usado en las paredes de las cuevas estaba compuesto por óxido de hierro (hematites u ocre) mientras que el pigmento negro suele ser manganeso o carbón vegetal, derivado de la combustión de la madera. El análisis de los pigmentos, particularmente en la cueva de Niaux, en los Pirineos, ha puesto de relieve el uso de recetas o trucos pictóricos basados en la combinación del pigmento con talco o feldespato (para dar más cuerpo a la pintura), y con aceites vegetales o animales como aglutinantes.
El arte paleolítico se clasifica, normalmente, en representaciones figurativas (animales o humanas) y en composiciones abstractas (signos y símbolos).
Casi todos los animales aparecen representados de perfil, la mayoría de ellos en estado adulto y fácilmente reconocible; muchos otros, sin embargo, aparecen incompletos o se identifican difícilmente, y unos pocos, por último, son seres imaginarios, como el unicornio de Lascaux. El aspecto más llamativo de Lascaux es que la cueva está decorada de forma unitaria. En la mayoría de las cuevas las pinturas no están dispuestas de ese modo, sino que se superponen de modo casual, dificultando su identificación e impidiendo afirmar, en consecuencia, si se trata de asociaciones deliberadas, o de yuxtaposiciones carentes de relación entre sí.
Los animales más representados en el paleolítico fueron el caballo y el bisonte, aunque otras especies (como el mamut o el ciervo) predominaron en determinados lugares. Los carnívoros fueron inusuales y los peces y pájaros aparecieron mucho más en el arte mueble que en el rupestre. Los insectos y las plantas tan solo se encuentran en unos pocos ejemplos del arte portátil. No es, por tanto, el arte paleolítico una mera acumulación de observaciones de la naturaleza. Tiene significado y estructura, con diferentes especies predominantes según épocas y regiones. Mientras que las huellas de manos son relativamente frecuentes, las representaciones de seres humanos escasean en el arte rupestre. Fueron mucho más frecuentes en el arte mueble, especialmente las pequeñas figuras femeninas calificadas como Venus.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:09 | Comentarios (0)

LO HERMÉTICO IMPLÍCITO EN EL NACIMIENTO DEL ARTE

En un primer momento el arte rupestre paleolítico se consideró como puramente ornamental, carente de significados más complejos.
Es bueno que recordemos a esta altura, lo que dije en el primer capítulo –“¿QUÉ ES EL ARTE?” – ya que la ornamentalidad que se le atribuyó al arte rupestre, respondió a un concepto “estético” que primó y prima del ARTE.
Este punto de vista se apoyaba en el arte mueble conocido hasta entonces. Pero los avances en el conocimiento de esa época, así como los descubrimientos que se iban haciendo, pusieron de manifiesto que había un complejo aunque indescifrable nexo entre los objetos representados y su localización. Se pintaba un limitado número de especies; con frecuencia las pinturas, dibujos y grabados se encuentran en los lugares más inaccesibles de las cuevas; hay asociaciones y signos enigmáticos, figuras intencionadamente incompletas o ambiguas, y cuevas decoradas que aparentemente no fueron habitadas.
A comienzos del presente siglo se aplicó al arte paleolítico la teoría funcional de la Magia Simpática.
Según esta teoría, las pinturas servían para influir de forma mágica en sus modelos reales. Así por ejemplo, un bisonte pintado provocaría la caza de dicho animal. Se intentaron descubrir ritos y magias en cada aspecto del arte paleolítico, en los fragmentos de objetos decorados y en la representación de animales con flechas clavadas para propiciar su captura. Pero muy pocas figuras de animales paleolíticos tienen flechas clavadas, y muchas cuevas no tienen ninguna imagen de este tipo. En otros casos no hay escenas evidentes de caza y los huesos de animales encontrados en muchas cuevas no guardan relación con las especies pintadas, de modo que la motivación oculta del arte rupestre pudo distanciarse de las prácticas cotidianas que reflejan los restos descubiertos hasta ahora.
Otra teoría bastante popular fue la denominada magia de la fertilidad, según la cual la representación de animales garantizaría su reproducción y la consiguiente provisión de alimentos para el futuro. Pero en muy pocos casos se distingue el género de los animales, y los genitales se muestran casi siempre de manera discreta. En cuanto a la copulación, en toda la iconografía paleolítica solamente hay uno o dos ejemplos (bastante dudosos).
Llendo más allá aún, podíamos identificar un intento de escritura ideográfica en el arte rupestre, es decir; un mensaje.
En definitiva, la mayor parte del arte paleolítico no tiene una relación clara con la caza o la reproducción. En la década de 1950 dos investigadores franceses, Annette Laming-Emperaire y André Leroi-Gourhan, llegaron a la conclusión de que las cuevas no habían sido decoradas al azar, sino de forma sistemática. Concibieron los diferentes ejemplos de arte rupestre como composiciones cuidadosamente planificadas dentro de cada cueva, considerando a los animales no como retratos sino como símbolos. Descubrieron toda una serie de asociaciones que se repetían con frecuencia: el predominio de caballos y bóvidos, agrupados en los muros centrales, se consideró una representación de la dualidad sexual. Dividieron también los signos abstractos entre masculinos (falos) y femeninos (vulvas).
Algunos investigadores intentan establecer criterios para identificar la obra de artistas individuales. Otros han creído descubrir relaciones entre las paredes más decoradas y la acústica de la cueva, sugiriendo con ello que el sonido desempeñó un importante papel en las ceremonias asociadas al arte rupestre.
De cualquier modo, ninguna interpretación es suficiente para explicar todo el arte paleolítico, un periodo que abarca las dos terceras partes de la historia del arte, 25 milenios sobre la mayor parte de la superficie terrestre.
Es de suma importancia que recordemos estos inicios de arte, este “ars” de los individuos más antiguos del planeta, de esos primeros artistas y del posible significado que le dieron a sus obras.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:11 | Comentarios (0)

LOS PREDOMINIOS DE LO ARCANO

Hemos hablado hasta aquí, de dos cosas importante; una, de lo que se interpreta; y se ha interpretado en el tiempo por Arte, dos; de cómo nace el Arte y bajo que conceptos o necesidades.
Queda claro que a pesar de las diferencias que pueda haber entre unas y otras teorías acerca del tema, no se puede dejar de entender el Arte, sino, como una necesidad de comunicación y expresión proyectada desde lo mas implícito y recóndito del ser humano. Imposible separar el Hombre de una concepción mística de lo que lo rodea, ve y siente. De una u otra forma, el Hombre ha tratado de alcanzar y elevarse hasta lo incognoscible de su naturaleza y la naturaleza de todas las cosas.
De todo esto, como manifestación arcaica (que también tiene una raíz en el “arc”), el hombre hábil “para hacer” desde sus mas remotos orígenes, y como criatura “pensante” se manifiesta y manifiesta toda su naturaleza e historia en el “arc, es decir, en el Arte.
Cada Obra, representa un modo particular de sentir, de ver, de pensar, pero también refleja las realidades de su época, del tiempo en que fue creada, de los dramas, de las preguntas respuestas, de las creencias y los mitos de una etapa histórica.
La obra de arte, recopila el pasado, recicla sus símbolos y exponiendo su presente, se proyecta al futuro a través de ellos.
Es un idioma universal
El Hombre se expresa con una sensibilidad especial igual en cada tiempo, sin embargo, diferente en la estética.
Una concepción cerrada del Arte, y confundida con la estética (Lo hablamos en los dos primeros capítulos) fue lo que llevó a la difícil comprensión de las obras de Arte del siglo XX.
Pero, ¿Cómo comprender u enseñar este idioma que “Habla” en el Arte?
Dice Juan Mariano Balibrea: “Hablar de metodología significa tratar de responder a la pregunta más importante que se puede hacer un profesor/a: ¿cómo enseñar? Pero además, hablar de metodología significa también, inevitablemente, repasar las otras dimensiones de los procesos de enseñanza/aprendizaje (finalidades, contenidos, actividades, evaluación…).”
¡Cuan difícil es enseñar en método ese idioma y que fácil es, si se lo logra transmitir despertando esos arcanos dormidos en cada ser humano!
El Arte habla en forma, color, luz y sombra. Sonido y movimiento.
Su exégesis nace de ellos, y se explica por ellos.
Y ellos son los “Arcanos” imprescindibles en cualquier Obra de Arte, sin ellos, se convertiría en un ente insustancial, o un espacio armónico vacío de contenido, finalmente, en un gesto involuntario “hecho al azar”.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:12 | Comentarios (0)

ARTE SACRO, SIGNOS Y SÍMBOLOS

Nos vamos adentrando poco a poco en el tema específico del Arte Sacro y quiero hacerlo de la manera más comprensible al lector.
Dijimos que el “Ars” es “habilidad para hacer”, luego nos extendimos un poco en su derivación al “Arte” y sobre el concepto (o conceptos de Arte), nos remontamos a sus orígenes como necesidad de expresión humana, y ahora finalmente, nos internaremos de lleno en la perspectiva sacra del arte.
Sabemos que una de las más abstractas de las concepciones (intelectuales o espirituales) del Hombre, es su pensamiento religioso. La “idea abstracta” entonces es difícil de expresar de cualquier manera. Pongamos por ejemplo exponer de forma visual la idea de la “Nada” o del “Tiempo”.
Pero antes de continuar, quiero que demos un repaso a lo que se considera “signo” y “símbolo”
Entre signos y símbolos hay diferencias:
• Los signos pueden ser comprendidos por los seres humanos y los animales; los símbolos no.
• Los signos señalan; son específicos de un cometido o una circunstancia. Los símbolos tienen un significado más amplio y menos concreto. Ambos son instituciones.
• En el caso de los símbolos pueden aparecer como los originales a los que aluden, y pueden ser entendidos sin explicaciones.
• Los signos son menos complicados que los símbolos. Sea un dibujo o un gesto, los signos cobran forma visible para expresar una idea. Por tanto, a menudo los signos dirigen al receptor hacia una solución.
• Los símbolos son más difícil de entender, ya que se instauran con toda su carga histórica, tradicional y hermética en muchos casos. Pero sobre todo, son la transmisión de las ideas y el conocimiento implícitos en ellos.
El artista sacro, al trabajar con temas fundamentalmente de órdenes abstractos y específicos de la historia religiosa de la humanidad, se ve casi forzado a echar mano de signos y símbolos permanentemente. De ahí que las obras de Arte Sacro, estén impregnadas de ellos.
Signos y símbolos, los hay y han sido utilizados de manera continua en la humanidad, y están de manera casi implícita en las obras de todas las civilizaciones, tanto antiguas como modernas.
Muchos de estos símbolos, se modifican a través del tiempo pero mantienen una raíz primitiva. Puede suceder que también, en numerosos casos, se altere su significado según la etapa de historia en que son utilizados.
Un ejemplo práctico: la Cruz Esvástica o Gamada.
Este es un auténtico ejemplo de simbología, y es el que desarrollaré ligeramente en este artículo para explicar la importancia del símbolo, pero por supuesto, no es el único ni remotamente.
Círculos, puntos, triángulos y diferentes tipos de cruces de rectas, conformando casi una “geometría sagrada”, han servido a las diferentes culturas para definir sus ideas complejas y abstractas.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:13 | Comentarios (0)

EJEMPLO: COMPLEJIDAD DEL SÍMBOLO

Como dije, pongamos un ejemplo concreto para explicar la importancia de la simbología: La Cruz Esvástica o Gamada.
Lo mismo que ha sucedido con la esvástica, ha sucedido a menudo con otros símbolos menos famosos, ya que la cruz gamada jamás hubiera salido a la luz de la fama, si no hubiera sido usada como emblema por las fuerzas de Hitler.
La esvástica (en sánscrito, suastika) es una cruz cuyos brazos están doblados en ángulo recto, bien hacia la derecha, bien hacia la izquierda. La esvástica es un monograma generado por la conjunción de las letras su astí (en idioma sánscrito su: ‘muy’, astíka: ‘auspicioso’) en caracteres ashoka (anteriores a las letras deva-nágari, que son las que desde hace varios siglos se utilizan en la escritura del sánscrito).
Según algunos autores esto demuestra que el símbolo no fue creado en esta era, sino aproximadamente en el siglo V a.c. Aunque los vaisnavas (vishnuitas) dicen que la esvástica está eternamente dibujada en una de las cuatro manos de Dios.
La esvástica aparece en la iconografía, el arte y el diseño a lo largo de la historia de la humanidad, representando conceptos diversos como la “suerte”, el Brahman, el concepto hindú de “samsara” (reencarnación y también a Sūrya (el dios del Sol). En principio la esvástica se usa como símbolo entre los hindúes. Se menciona por primera vez en los Vedas (las escrituras sagradas del hinduismo), pero su uso se traslada a otras religiones de la India como el budismo y el jainismo.
Una creencia occidental moderna probablemente apócrifa sostiene que sólo la esvástica con brazos doblados hacia la derecha es una marca de buena suerte, mientras que la esvástica de brazos doblados hacia la izquierda representa un augurio nefasto.
A partir de diferentes investigaciones a cerca del origen de la cruz esvástica y posterior vinculo con el partido nacional socialista encontré definiciones y teorías de carácter científico que cito por ser un dato que enriquece el contenido del ensayo siendo la forma de conocer como otras culturas comunican significados diferentes empleando el mismo símbolo.
Del símbolo reconocemos la mas extraña evolución o mutación , como sabemos una figura tan simple puede llegar a cargarse de distintos contenidos y una cruz es el mejor ejemplo para exponer como a medida que se emigra de una cultura a otra la cruz se puede convertir en mensaje de esperanza y suerte a odio y rencor.
En este ensayo además de dar a conocer un pasado casi ignorado de la esvástica también destaco hechos poco conocidos sobre la vida de Hitler que considero pueden corresponderse al equivalente místico que los une.
Para nosotros una cultura occidental de un país llamado tercermundista tildar a la esvástica de nazi y por consiguiente culparla de múltiples horrores es muy común desafortunadamente.
Las razones para que el identificar a la esvástica en la actualidad como producto Nazi, se debe a que vivimos a escasos 58 años, de la segunda guerra mundial y por supuesto el holocausto tenemos presente a la figura nazi como culpable, y como seguramente a comparación de guerras anteriores esta fue una de las mas captadas por los medios de comunicación que difundieron escenas, hechos e imágenes que en mi concepto fue la causa indirecta de la anti-popularidad del símbolo.Es muy obvio el saber que desde pequeños el hombre plasma aquello que llama su atención asignándole un significado, así como los primeros trazos son las figuras mas simples, desde la antigüedad, los primeros años e incluso el despertar del hombre han sido las figuras geométricas como el circulo, triangulo y cualquier unión de líneas son tan comunes y fáciles de encontrar en cualquier contexto, no obstante son sus significados emotivos son los que difieren.
La esvástica como un símbolo o imagen visuales es un elemento de comunicación dispuesto a diferentes interpretaciones a partir del contexto en donde se encuentra generando diferentes conductas o lecturas al igual que su configuración que también interviene.
En este caso la cruz esvástica, es talvez una de las figuras mas respetadas y sobresalientes por su simpleza, la razón de guía espiritual y regocijo para muchos pueblos.Así mismo la cruz esvástica es quizás uno de aquellas figuras con mas definiciones, La forma de CRUZ que aparecía por toda Europa y algunas partes del norte de África, era la CRUZ SOLAR en ROTACIÓN, conocida también como CRUZ SYLFOT (FILLFOH), MARTILLO de THOR o ESVÁSTICA, este símbolo sagrado y místico se dibujaba siempre según un plano vertical u horizontal con los brazos situados de forma que la CRUZ, parecía estar girando con el SOL o en el sentido del las agujas del reloj.
Las raíces de la esvástica se remontan a la era de bronce , ha sido utilizada en las monedas primitivas de Mesopotamía, por los egipcios como representación del poder que cada ser humano posee en si, ha sido utilizado en el budismo como decoración, amuleto y talismán, con la función de repeler los malo espíritus y atraer la buena suerte
En la Enciclopedia de la Lengua Castellana (Ed. Sopena) se denomina a la esvástica de esta forma:
Esvástica: diagrama místico de buen augurio, que en la antigüedad representaba el Sol en movimiento.
El propósito de párrafo anterior observamos el simbolismo de la cruz, que fija claramente que otras culturas diferentes a los cristianos y nazis asignaron un valor especial a esta forma visual.
Respectivamente y sin importar contexto el símbolo de la esvástica se introduce en un proceso de comunicación en donde la relación entre una persona y el símbolo desarrolla una cadena de signos que permitirá la constancia y permanencia de mensaje requerido.El hecho de indicar a alguien algo que otra persona conoce y quiere que otros conozcan es el signo o reacción más común, así que el adorar o trasmitir cualquier sentimiento será el signo de respuesta a representación visual de la esvástica.En los símbolos recae toda aspiración o representación mental en la memoria colectiva, un conjunto significativo de atributos que a través de la percepción se trasforma en un estereotipo que es capaz de influir o determinar comportamientos. Esto no indica que de cualquier manera el llevar un símbolo esta al alcance de cualquiera.

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:15 | Comentarios (1)

II PARTE DEL EJEMPLO

La Svástica indica manifiestamente un movimiento de rotación alrededor del centro, alrededor del cubo inmóvil de la rueda, que es el polo del mundo manifestado. Es el símbolo de la generación de los ciclos universales, de las corrientes de energía: no del mundo, sino de la acción del principio con respecto a la manifestación
Como símbolo de carácter espiritual y religioso podemos encontrar inscripciones de la esvástica en diferentes templos en el mundo.
En el Monasterio de Loudun puede contemplarse una inscripción muy grande con la Cruz Gammada, y es un dibujo de contenido religioso y místico realizado por un monje del siglo XIV, llamado Guyot. En el Litoral Argentino nos encontramos con las ruinas de la Iglesia de San Ignacio, cuyas columnas conservan aún grabadas el símbolo de la Cruz Esvástica Tampoco deben sorprenderse los visitantes del Museo del Vaticano, al encontrarse con múltiples elementos del antiguo culto religioso que son exhibidos - un poco más discretamente que el resto, claro está - y que llevan grabado el signo de la Esvástica.
Según narra la tradición pagana, fue el propio Odín el que luego de su prueba en el árbol del sacrificio descubrió el poder mágico de las runas y bajo el símbolo de la Cruz Esvástica guió el retorno de los Ases desde el Cáucaso hasta el Mar del Norte, fundando en su trayecto la legendaria ciudad de Asgard.
Debemos conocer que en la Cruz Gammada o esvástica están contenidas, por lo menos, dos runas, y el término runa proviene de la expresión nórdica runar que quiere decir: Señal Mágica.
Este símbolo fuese desvirtuado por las "logias de magia negra alemanas" de las cuales aseguran HITLER era miembro, en el dibujo que sigue se puede observar que las esvásticas nazis, giran en dirección contraria al sol y da la impresión de rotar contrariamente a las agujas del reloj, observe también que se sostiene sobre un punto , no sobre un plano vertical - horizontal, a pesar de que los nazis utilizaron a veces la esvástica mística autentica, su símbolo oficial era la versión desvirtuada, actualmente "mucha gente está molesta con el símbolo y es incapaz de separar lo espiritual de lo político".
Como podemos ver, los símbolos están a través de toda la historia del hombre implícitos en sus vidas.
Pero el artista sacro, debe no solo reconocerlos, sino, comprenderlos absolutamente en profundidad para poder usarlos como parte de un lenguaje de transmisión universal; su obra.
A partir de aquí la pregunta es evidente ¿Conocían y usaban, entonces, los grandes Artistas Sacros un código de transmisión por símbolos?
Si era así; ¿Compartían secretos reservados al sacerdocio y aún más allá, eran estudiosos de lo Hermético de la historia Universal y de la Filosofía?

Escrito por xokibalam el 09/04/2007 18:16 | Comentarios (0)

LOS HACEDORES DEL ARTE SACRO

En las vidas de algunos famosos artistas del Renacimiento, como lo fueron Miguel Ángel, Leonardo Da Vinci, Gianlorenzo Bernini, Botticelli, Rafael y otros; (que en la actualidad han tomado vigencia inusitada a través, justamente, del entredicho de la supuesta simbología implícita en sus obras); se nos manifiesta una clara lectura que nos viene como respuesta a muchas de las interrogantes, porque, conociendo al artista se puede presumir su obra.
En primer lugar, un Artista, sea cual sea su disciplina práctica o de praxis, no puede mantenerse ajeno a su tiempo. La exacerbada sensibilidad que posee como principal herramienta del don de su naturaleza no le permite mantenerse, sino, como un radar involuntario de su entorno.
Pero el artista plástico, en particular, se ve inmerso en un complejo escenario de circunstancias. La soledad de su trabajo, la sociabilidad obligada para desarrollarlo, el ámbito de la obra, la influencia externa sobre la misma cuando es “encargo”, y su propio propósito al ejecutarla.
Es sabido que el artista y su obra forman una unidad indisoluble. Es fácil ver una trilogía concreta en esto. El artista como ejecutor y la obra como ejecución en si misma dan vida a una tercera instancia, el Propósito. Y es en este ánimo donde radica el Arte.
Por esto, podemos decir sin lugar a dudas que lo que piensa y siente el artista está sustanciado en su obra mas allá de lo que representa o pretende representar.
Ahora, más allá de todo esto, que sin lugar a dudas daría tema a muchos capítulos, en la vida del hacedor de arte sacro, existe una instancia natural, humana y lógica abrumadora por sencilla: “- La gente, suele encontrar en los artistas sacros, una apertura y una humanidad que les facilita abordarlo con mucha mas facilidad que ha un cura, y por esa rara mimetisación con la iglesia misma que adquiere en su labor, suele ser usado como depositario de muchos secretos y confesiones.
El artista no pertenece a la Curia, y esto hace que la gente pueda hablar con él de igual a igual, de humano a humano, con la certeza absoluta de ser comprendida en la real dimensión de lo que eso significa. Pero sin embargo, tiene también un cordón umbilical poderoso con lo sagrado, con lo misterioso de la Iglesia misma. Se confunde con el Todo Mítico y Místico del cual es parte, protagonista y ejecutor.”
También hay otra circunstancia que viene a incrementar la complejidad de la vida del artista sacro: su proximidad a las fuentes mismas de la Historia.
Podemos decir que el “objeto sagrado” en la ritualidad de cualquier culto, encierra la verdad última según el hacedor de arte que lo creó. Encierra la historia según le fue transmitida y su propia visión espiritual y estética de la misma.
En los próximos capítulos daremos un repaso rápido a cuatro grandes biografías de Artistas que, prácticamente, aún sin oficialidades, no solo crearon una escuela en si mismos y marcaron otra etapa de la Historia del Arte, sino, además, dieron fundamentos a una institucionalidad dentro de él; el ARTE SACRO.

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:49 | Comentarios (0)

MIGUEL ÁNGEL

Nombre: Miguel Ángel, Michelangelo Buonarroti
Nacionalidad: Italia
Caprece (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano – Cinquecento
Miguel Ángel fue arquitecto, pintor, escultor y poeta. nació 6 de marzo de 1475 en el pueblo de Caprese, de esencia florentino mantuvo sus lazos con Florencia su arte y su cultura. La mayor parte de su madurez la pasó en Roma, trabajando en los encargos de los continuados papas. Su deseo fue ser enterrado en Florencia en la iglesia de Santa Crose y así fue después de su fallecimiento.
Caprese es un pequeño centro del valle Tiberino, actual provincia de Arezzo, su padre Ludovico de Leonardo de Buonarroto Simoni era podestá en nombre del gobierno de Florencia, Miguel Ángel habiendo finalizado el mandato paterno regresa a Florencia, donde transcurre su infancia, juventud y algunos años de su madurez. Siendo niño demuestra su fastidio por las lecciones de gramática del humanista Urbino, a quien el padre confió su formación. Pero a Miguel Ángel le cautiva el dibujo y el estudio del arte, se deleitaba en recorrer las iglesias y copiar las pinturas abandonando a veces las lecciones de gramática.
A los 13 años de edad ingresa en el taller de Doménico Ghirlandaio para aprender a pintar y dedicarse a ese oficio, su instrucción duraría tres meses , este es el taller de uno de los principales maestros de Florencia de finales del quatrocento.
Ghirlandaio fue uno de los maestros valorados por la fidelidad reflejada por el colorido de la época, sabía expresar los temas religiosos, como si terminasen de suceder entre los acaudalados ciudadanos florentinos que eran sus clientes. Aquí Miguel Ángel podía aprender todos los recursos técnicos del oficio, una consistente técnica para la pintura de frescos y adriestarse en el arte del dibujo. Pero sus ideas eran diferentas. En vez de adquirir la sencilla manera de Ghrirlandaio, se dedicó a estudiar las obras de los grandes maestros del pasado, como Giotto, Massacio, Donatello.
Dos años después se sintió fascinado por las esculturas en el jardín de San Marcos de los escultores griegos y romanos cuyas obras contemplaba en la colección de los Médicis.
Trató de revelar los secretos de los escultores antiguos que simbolizaban al cuerpo humano preciosamente en movimiento, con todos sus músculos y tendones.
En 1475-1505 mientras Miguel Ángel trabajaba en el taller de Ghrirlandaio, de igual forma visitaba la escuela de escultura inaugurada por Lorenzo el Magnífico en el jardín colindante al convento de San Marcos, donde Lorenzo ofrece la posibilidad de instruirse en el lenguaje y las técnicas de la escultura, empleando su colección de piezas clásicas, guardadas en el Palacio de Vía Larga.
Miguel Ángel inició así sus estudios de escultura bajo el patronazgo de Lorenzo II el Magnífico y la dirección artística del donatelliano Bertoldo Di Giovanni, es admitido como hijo adoptivo por Lorenzo en el Palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marcilio Fizino, Pico Della Mirandola, se instruye escultóricamente junto a Bertoldo en un ambiente elegante y culto. La permanencia en la escuela de Bertoldo se pudo haber extendido hasta la muerte del magnífico, en 1492, pero siguió conservando su relación privilegiada con los Médici después de esa fecha.
Miguel Ángel a los 16 años de edad ya había realizado dos esculturas en relieve "EL COMBATE DE LOS LAPITAS o CENTAUROMANÍA", tambien llamada "EL COMBATE DE LOS LAPITAS Y LOS CENTAUROS"- donde muestra su dominio del movimiento y también de la anatomía- y la "VIRGEN DE LA ESCALERA" , fechadas en 1489- 1492, en estas obras se advierte la relación con la cultura clásica, así como la enseñanza toscana y florentina de Nicola Pisano y Donatello.
En 1494 a su regreso de Venecia a modo de fuga causada por incomprensiones con el hijo de Lorenzo, Piero, Miguel Ángel Buonarroti habita un año en Bolonia permaneciendo allí por el encargo recibido del noble Gian Francesco Aldrovandi, de unas estatuas para la iglesia de Santo Domingo, iniciada por Nicola Pisano y posteriormente modificada por el escultor Niccolò.
Miguel Ángel esculpió un "ANGEL SOSTENIENDO UN CANDELABRO" y la segunda estatua, "SAN PETRONIO" y el "SAN PRÓCOLO", aquí se descubre una relación entre Miguel Ángel y el escultor de Siena , Japoco Della Quercia activo en Bolonia, que enlazo el gótico tardío con la grandeza de los florentinos del quatrocento, provenida de la estatuaria antigua.
Miguel Ángel en sus años juveniles muestra su profunda admiración hacia la anatomía, no satisfaciéndose con aprender las leyes de aquella, únicamente por la escultura antigua, decide investigar por si mismo la anatomía humana por lo que acudiría casi todas las noches al deposito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitirán conocer mejor la estructura interna del ser humano y dibujaba tomando modelos de la figura humana que ya no le guardaba ningún secreto.
A los 30 años de edad Miguel Ángel era celebrado como uno de los maestros mas destacados de la época, y la ciudad de Florencia lo honraría encargándole a él -que era 23 años más joven que Leonardo y le subsistiría cuarenta y cinco más- y a Leonardo Da Vinci la pintura de un suceso de la historia florentina sobre una pared de la Sala de Juntas principal del Ayuntamiento, pero las obras no se consumaron y en 1506 Leonardo regresa a Milán......
Fue invitado a Roma por el cardenal en 1496, permaneciendo allí por cuatro años, aquí amplio sus estudios, iniciados en los jardines de los Médicis , por las colecciones de obras clásicas que se iban reuniendo en los palacios capitalinos. Para el Cardenal Riario, Miguel Ángel esculpe la estatua representando a "BACO" (1496-1498), donde es notorio su conocimiento de la cultura helenística.
En Roma también esculpió a "APOLO o CUPIDO" que estaba desaparecido pero que fue encontrado e identificado actualmente como un niño arquero. También en Roma recibe el encargo de ejecutar "LA PIEDAD" por el cardenal francés Jean Bilhères, que la predestinaría a su sepultura en la iglesia de Santa Petronila (1498-1500), actualmente esta atesorada en la Basílica de San Pedro, en el Vaticano, es una obra magnifica hecha en mármol, posiblemente terminada antes de que Miguel Ángel cumpliera los 25 años, es la única obra en la que aparece su firma, en ella la virgen María sostiene a Cristo fallecido en su regazo- iconografía tomada del norte de Europa- María parece dominarse en su dolor, se reprime con una expresión de resignación en su rostro.
Miguel Ángel retorna a Florencia en 1501, la situación política había cambiado, Piero de Médicis fue expulsado seis años antes y Florencia proclamó la república por la presión del fraile dominico Girolamo Savaranola, condenado posteriormente a la hoguera en 1498.
En 1501 es nombrado como gonfaloniero de Pier Soderini promoviendo el renacimiento, aunque breve , intelectual de la ciudad, y Miguel Ángel recibe el encargo del "DAVID", escultura de mármol de 4,34 m realizado entre 1501- 1504 que alcanzaría a convertirse en símbolo de Florencia , con esta obra Miguel Ángel se destacaría de todos los artistas contemporáneos suyos, como también de los griegos y los romanos. Le continuó el encargo del "TONDO PITTI", conservado actualmente en Florencia en el Museo del Barguello y también el "TONDO TADDEI", conservado en Londres, en Royal Academy, ambos son relieves.
Como pintor se le confió un fresco para el Salón de los Quinientos del Palazzo Vecchio, llamado "LA BATALLA DE CASCINA", pero se limito a realizar un dibujo preparatorio sobre cartón en escala natural exhibiendo una combinación de figuras vestidas y desnudas en disímiles posturas y actitudes. También realiza el "TONDO DONI" y la "VIRGEN DE BRUJAS "y Los doce apóstoles para la Catedral de Florencia.
En 1505 el Papa Julio II le encarga la realización de su tumba, procuraba que Miguel Ángel le levantara un mausoleo. Con autorización del Papa se puso en camino hacia las canteras de mármol de carrara para escoger los bloques con que esculpir el mausoleo, permaneció mas de seis meses en las canteras, adquiriendo y eligiendo. Pero cuando regresó a Roma el Papa casi había perdido su interés por el surgimiento de un nuevo proyecto suyo, que entraría en conflicto con el de su mausoleo, el de la nueva Basílica de San Pedro. Ante este contexto Miguel Ángel en delirio tal vez persecutorio propio, temía que Bramante, el arquitecto de la obra, ambicionara envenenarle, motivo por el cual regresará a Florencia.
Aún así el Papa inicio negociaciones con el principal dignatario de la ciudad de Florencia para que incitara a Miguel Ángel a regresar a Roma, este logra convencerlo para que retorne al servicio de Julio II y le dio una carta de recomendación donde decía que su arte no tenía paralelo en toda Italia. A su vuelta el Papa le hace aceptar otro encargo en el Vaticano donde se hallaba una capilla ordenada a construir por Sixto IV llamada CAPILLA SIXTINA, cuyas paredes fueron decoradas por los pintores más famosos de la anterior generación: Botticelli, Ghrilandaio y otros. Pero la Bóveda aún estaba vacía , el Papa indicó que la pintara Miguel Ángel que renegó del encargo, señalando que el no era en realidad pintor , sino escultor estando convencido de que la tarea le había sido conferida por intrigas de sus enemigos en el vaticano en Roma.
En lo que atañe a la culminación en la ciudad de Florencia del encargo del mausoleo a ubicarse en el coro de la Basílica de San Pedro, la sepultura de Julio II Della Rovere, su realización se prolongaría por cuarenta años , con severísimos enfrentamientos con el Papa. Las diferencias por cuestiones financieras determinaron la primera interrupción de su trabajo, el encargo de la SIXTINA también apartó otra vez a Miguel Ángel de la construcción del mausoleo, y después de la muerte del Papa retoma el trabajo en 1513 con un nuevo proyecto, más reducido realizando los esclavos del Museo de Louvre llamados "EL ESCLAVO MORIBUNDO" y el "ESCLAVO REVELDE" (1510-1513) y la escultura del "MOISÉS" en 1515.
La bóveda de la SIXTINA la realiza por insistencia del Papa, comienza con un moderado boceto de 12 apóstoles en nichos y encarga ayudantes florentinos para que le ayuden en la obra. Pero Miguel Ángel se encerró posteriormente en la capilla y no permitió que nadie se le acercara y se puso a trabajar a solas. Su creación duró cuatro años de tarea solitaria sobre el andamiaje de la capilla papal.
Miguel Ángel desarrollo un complicado sistema decorativo- iconográfico donde figuran nueve escenas del libro del Génesis comenzando por "LA SEPARACIÓN DE LA LUZ DE LAS TINIEBLAS" y prosiguiendo con "LA CREACIÓN DEL SOL Y LA LUNA", "LA CREACIÓN DE LOS ÁRBOLESY LAS PLANTAS", "LA CREACIÓN DE ADAN", "LA CREACIÓN DE EVA" , "EL PECADO ORIGINAL", "EL SACRIFICIO DE NOÉ", "EL DILUVIO UNIVERSAL" y "LA EMBRIAGUEZ DE NOÉ". Estas representaciones pictóricas recorren longitudinalmente el cuerpo central de la bóveda enmarcadas con alternaciones de profetas y sibilas sobre tronos de mármol junto con otros temas del antiguo testamento y los antepasados de Cristo, exponiendo su perfecto conocimiento sobre anatomía y movimientos humanos.
La enorme bóveda definida por un pesado armazón arquitectónico, subdividida en tres lienzos, cada uno pertenece a una iconografía: el primero abarca los lunetos y las paredes triangulares en las que aparecen los antepasados de Cristo, el segundo contiene los siete profetas y las cinco sibilas, el central muestra nueve episodios tomados del libro del Génesis y sobre los miembros arquitectónicos, que encuadran cinco de esos episodios, aparecen figuras de Ignudi que sostienen medallones de bronce simulado, con representaciones bíblicas y en los ángulos externos figuran cuatro episodios de la salvación de Israel.
Al consumar Miguel ángel su obra en la CAPILLA SIXTINA en 1512 volvió a sus bloques de mármol para proseguir con el mausoleo de Julio II , su idea fue engalanarlo con estatuas de cautivos como noto en los monumentos funerarios romanos. Las esculturas pasaron de una cantidad de cuarenta a veintidós y a comienzos de 1519 Miguel Ángel trabaja en cuatro prisioneros llamados: "EL ESCLAVO QUE DESPIERTA", "EL JOVEN", y "EL BARBADO" y "EL ATLAS" ninguno fue terminado pero tienen notada expresividad.
El arte de Miguel Ángel reside en que cuando más mueva y contorsione sus figuras en impetuosos movimientos, más estable y sencillo resulta su contorno.
Miguel Ángel imagina las figuras contenidas en el bloque de mármol en el que se ocupa y su labor como escultor sería la de quitarle al bloque lo que le excedía, es decir descontar lo necesario de el hasta que emerjan esas figuras contenidas en su interior.
En Florencia sus últimos encargos serán obras arquitectónicas como la: fachada para la Basílica brunelleschiana de San Lorenzo y su Sacristía Nueva, encargada por León X en 1519-1520 para albergar los sepulcros de dos representantes de la casa Médicis,"LA CAPILLA MEDICEA", es conocida también como SACRISTIA NUEVA. Una de las tumbas se designaría a Lorenzo Médici, Duque de Urbino (1492-1519) y la otra a Giuliano de Médici, Duque de Nemour (1479-1515). El proyecto eran dos tumbas de pared , con estructuras divididas por pilastras gemelas que puntualizan el motivo miguelangeliano de los nichos en edículo. En la parte inferior los sarcófagos dotados de una tapa empinada adornada de volutas sobre las que se hallan alegorías de las cuatro fases del día. Por encima en el nicho central están colocados los retratos -esculturas- de los difuntos, con armaduras de modelo clásico. Miguel Ángel dispuso sobre las tumbas figuras desmidas conocidas como la personificación de cuatro fases del tiempo: "LA AURORA y EL CREPÚSCULO" se encuentran bajo la figura entronizada de Lorenzo, y "EL DÍA y LA NOCHE" bajo la de Giuliano
Así también efectuara la BIBLIOTECA LAURENCIANA durante la época de 1520 (sala de vestíbulo con la escalinata de acceso) la biblioteca en Italia estaría destinada a "publicae utilitati" conocida también como Librería Laurenziana , emplea una única sala alargada, antecedida por un vestíbulo, Miguel Ángel estudia un sistema de contrafuertes a los que corresponden en la sala pesadas pilastras de piedra arenisca que la dividen a lo largo. En las pilastras están dispuestas amplias ventanas.
Los últimos años de Miguel Ángel: en 1534 deja Florencia para no regresar. Dada la situación política florentina, dominada por el duque Alessandro que aborrecía profundamente al artista , quien había servido antes de la última restitución medicea a la república.
En Roma, realizaría el "JUICIO FINAL, el primer encargo del Juicio se remonta a 1533 por el Papa Clemente VII pero dos años después Pablo III , quien lo nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano, hacia 1536, le ratifica el encargo y Miguel Ángel ya en Roma lo realiza en la Capilla Sixtina. Este fresco ocupa completamente la pared de la entrada, el artista cuenta con sesenta años de edad y su trabajo durará hasta 1541. En el Miguel Ángel encarno a todas las figuras desnudas, desnudez tapada después con los llamados paños de pureza realizados por Daniele Da Volterra cuando la cultura era más conservadora.
En 1542 concluido "El juicio Final" el Papa Pablo III le encarga la decoración de La Capilla Paulina , allí Miguel Ángel realiza dos frescos " LA CONVERSIÓN DE SAN PABLO" y " LA CRUCIFIXIÓN DE SAN PEDRO."
La obra máxima de Miguel Ángel como arquitecto se evidencia en la Basílica de San Pedro. En la dirección de los trabajos el artista sucedía a Antonio de Sangallo el joven, con quien tenía hondas discrepancias en la concepción de la arquitectura, pero acepta la petición del Papa Paulo III, y su primera acción como gubernator de la "Fabrica del Vaticano" fue demoler parte de lo erigido por Sangallo captando así enemistades.
Los proyectos de Miguel Ángel para San Pedro manifiestan una ruptura respecto a todos sus prestigiosos predecesores, aseverando su concepción original en la creación de la planta que en el exterior tendrá colosales pilastras corintias y la Cúpula será el punto sobresaliente, esta cautivó a Miguel Ángel desde 1557 hasta su muerte y no llegaría a contemplarla definitivamente acabada según eran sus deseos.
Su última estancia en Roma concuerda con un encargo estipulado en el campo arquitectónico y urbano, pero ninguno de los trabajos emprendidos fue acabado por él. La más notable fue la ordenación de la Plaza del Campidoglio para regenerar el prestigio y la ocupación central en la vida civil romana. Miguel Ángel convirtió el conjunto en desorden que conformaban los palacios de los Senatori y de los Conservatori, en una plaza de planta trapezoidal, con el palacio senatorial en el fondo y por el de los Conservatori y el Capitolino, edificado ex novo- a lo largo de los lados que confluyen hacia la escalinata que articula con la zona de los foros.
En 1546 y 1549 Miguel Ángel renovara el Palacio Farnece -Palazzo Farnece-, anteriormente edificado por Antonio Sangallo , aquí superá los diseños vitruvianos en los que se basaba la arquitectura renacentista.
Después del Concilio de Trento que convocó Pablo III en 1545, que resistiría la posibilidad de conformidad con los principios protestantes, queda instaurada así, la división religiosa en Europa. Conociendo de la eficacia comunicativa de las representaciones pictóricas en las iglesias, el Concilio introduce la vigilancia sobre el arte por parte de la autoridad eclesiástica, reparo que en el "JUICIO FINAL" de Miguel Ángel Buonarroti, origina que los desnudos fueran recubiertos de paños por el pintor Daniele Da Volterra apodado "braghettone".
En sus últimos años Miguel Ángel Buonarroti continúa dedicándose a la escultura, y se propondría después de concluir la Tumba de Julio II, idear la propia. El artista realizaría la "PIEDAD BANDINI", de composición piramidal, donde Nicodemo, la Magdalena y la Virgen sostienen el cuerpo de Cristo, utiliza el principio de lo inacabado como parte primordial de su creación artística y la "PIEDAD RONDANINI" que sería su última obra ocupándose de ella en varias oportunidades a partir de 1547, esta quedaría también inacabada a su muerte.
Miguel Ángel también compuso poesías donde presentaba sus ansiedades, pensamientos , frustraciones, ideas estéticas y su relación con la filosofía neoplatónica. El artista falleció en Roma el 18 de Febrero de 1564 a la edad de 89 años.

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:51 | Comentarios (0)

LEONARDO DA VINCI

Nombre: Leonardo Da Vinci
Nacionalidad : Italia
Vinci (1452) - Cloux (1519)
Estilo: Renacimiento italiano, Cinquecento
Da Vinci es uno de los grandes maestros del renacimiento famoso como pintor , escultor arquitecto, ingeniero y científico. Encantado por el conocimiento y la investigación, sus innovaciones en la pintura determinarían la evolución del arte italiano, siendo sus investigaciones científicas sobre anatomía, óptica e hidráulica anticipos de los avances modernos. Nació el 15 de abril de 1452 en el pueblo toscano de Vinci, próximo a Florencia, fue hijo de un rico notario y una campesina, su familia se estableció en Florencia-década de 1460- allí recibiría la excelente educación que esta ciudad como centro artístico e intelectual ofrecería. Se forma en el taller de Andrea de Verrocchio en 1466 quien era la figura principal de su época en pintura y escultura, iniciándose así en diversas actividades como pintura de retablos y tablas hasta elaborar grandes proyectos escultóricos en mármol y bronce. En 1472 forma parte del gremio de pintores de Florencia y en 1476 aún siendo ayudante de Verracchio, pinta el Bautismo de Cristo destacándose el ángel arrodillado de la izquierda y el paisaje de matices neblinosos. Alcanzando la maestría en 1478. Es su primer encargo, un retablo para la Capilla del Palazzo Vecchio, pero no lo realizaría. Su primera obra es entonces la Adoración de los Magos, que dejo inacabada, fue encargada por los monjes de San Donato de Scopeto área de Florencia. , hacía 1481. En su juventud también realizaría la Madonna Benois, el Retrato de Ginebra de Vencí y el inacabado San Jerónimo. Entra al servicio de Ludovico Sforza, Duque de Milán en 1482, al ofrecerse como pintor, escultor, arquitecto, ingeniero, inventor e hidráulico por medio de una carta que el mismo escribió donde afirmaba que podía construir puentes portátiles, que conocía técnicas para realizar bombardeos y el cañón, que podía realizar barcos y vehículos acorazados, catapultas y otras máquinas de guerra así como realizar esculturas en mármol, bronce y terracota. Así sirvió a Ludovico Sforza en sus empresas militares y como arquitecto. También ayudo al matemático italiano Luca Pacioli en su celebre obra La Divina Proporción -1509. Leonardo tendría discípulos en Milán para los cuales escribiría textos posteriormente agrupados en su Tratado de Pintura -1651. Las obras más importantes del período milanés serían ambas versiones de La Virgen de las Rocas donde aplicaría el esquema de compostura triangular que encierra a la Virgen el Niño, San Juan y el ángel y utiliza por primera vez la técnica del sfumato. La Ultima Cena le ocuparía de 1425 a 1497, es una pintura mural para el refectorio del monasterio de Santa María Delle Grazie , Milán. Durante su larga estancia en Milán realizaría otras pinturas y dibujos, escenografías teatrales, dibujos arquitectónicos y modelos para la cúpula de la Catedral de Milán. También en Milán realizaría retratos femeninos como La Dama del Armiño. Durante su etapa en Florencia viaja un año a Roma y en 1502 entra al servicio de Cesar Borgia, Duque de Romaña, hijo del Papa Alejandro VI. Siendo arquitecto e ingeniero mayor del duque supervisa las obras en las fortalezas de los territorios papales del centro de Italia. En 1503 ahora en Florencia participa como miembro en la comisión de encargados de decidir sobre el perfecto emplazamiento del David de Miguel Ángel, también ejerció de ingeniero en la guerra contra Pisa al final de este año planifica la decoración para el gran salón del Palacio de la Signoria con el tema de la batalla de Anghiari, victoria florentina en la guerra contra Pisa. Realizaría numerosos dibujos y completo un cartón en 1505, pero no realizó la pintura en la pared. El cartón se destruyó en el siglo XVII conociéndose la composición a través de copias realizadas por Petrus Paulus Rubens. Durante su segundo período florentino Leonardo pintaría retratos pero el único conservado es la Gioconda (1503-1506) también conocido como Monna Lisa, la modelo sería la esposa de Francisco de Giacondo en este retrato se destaca la enigmática sonrisa de la dama Leonardo sentía una gran predilección por esta obra llevándola consigo en sus viajes. En 1506 regresa a Milán donde sirve al gobernador francés Carlos II Chaumont, mariscal de Amboise, al año siguiente sería nombrado pintor de la corte de Luis XII de Francia, que residía en ese momento en la ciudad italiana. Los próximos 6 años repartiría su tiempo entre Milán y Florencia. En Milán continuaría sus proyectos de ingeniería y trabaja en el monumento ecuestre de Gian Giacomo Trivulzio, comandante de las fuerzas francesas en la ciudad, el proyecto no se finalizaría pero se conservan sus dibujos. De esta época es la segunda versión de La Virgen de las Rocas y Santa Ana, la Virgen y el Niño. Desde 1514 a 1516 vive en Roma bajo el mecenazgo de Giuliano de Médicis, hermano del Papa León X. Se alojaba en el palacio Belvedere en el Vaticano realizando experimentos científicos y técnicos. En 1516 se traslada a Francia a la corte de Francisco I y pasa sus últimos años en el castillo Cloux falleciendo el 2 de mayo de 1519. Leonardo dejo gran parte de su producción pictórica inacabada siendo el signo del artista el abandono sistemático de los proyectos encargados por muchas medidas que se tomaran sus clientes mediante contrastos y cláusulas. El mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y arquitecto incluso como escultor. Su producción estuvo marcada por el interés en el claroscuro y el sfumato, técnica con la que difumina los contornos netos y precisos de las líneas diluyendo y difuminando estos en una especie de neblina que produce el efecto de inmersión en la atmósfera. Su dominio del color y la atmósfera lo transformo en el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, es una característica de su obra, especialmente de los paisajes. Al comienzo su estilo es parecido al de Verrocchio , pero fue abandonando la rigidez o dureza de las líneas en el tratamiento de las figuras y evoluciona hacia un estilo más libre donde incluye efectos atmosféricos. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia se llenaba con aire y que este hacia que los objetos lejanos perdiesen nitidez y se viesen azulados, también se valió del claroscuro que es la técnica de modelar las formas por medio del contraste de luces y sombras. Sus dibujos revelan una perfección técnica y maestría en el estudio de la anatomía humana, animales y plantas. Su dibujo más famoso es su autorretrato de anciano. Al no finalizar ninguno de sus proyectos escultóricos, el conocimiento de su arte tridimensional solo se vera a través de sus dibujos, lo mismo puede decirse de su arquitectura pero en estos dibujos demuestra maestría en la composición de masas, claridad de expresión y un profundo conocimiento de la antigüedad romana.

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:52 | Comentarios (1)

SANDRO BOTTICELLI

Sandro Botticelli (Alessandro di Mariano di Vanni Fillipeti)
Nacionalidad: Italia
1445-1510
Estilo: Renacimiento Italiano.Quattrocento
Nació en Florencia hacia 1444-1445 en el seno de una familia humilde de artesanos. Es una de las grandes figuras de Renacimiento por su delicado dibujo y original colorido. Se inicia en el arte de la orfebrería. A los 17 años entro en el taller de Fra Fillipo Lippi de quien fue su discípulo, esa instrucción en Prato duro unos 5 años. Hacia 1465 Sandro hace sus primeros trabajos,destacándose con las Madonnas con Niño. En 1470 dirige un estudio en la actual Via della Porcelana de Florencia, año en que recibe el primer trabajo procedente de una institución oficial, La Fortaleza, para los "Sei della Mercanzía". Su inserción en la lista de la "Compagnia degli Artisti di San Luca" fecha de 1472, hallándose a Filippo Lippi entre sus ayudantes y discípulos , ambos estilos seran parecidos dadas las figuras lineales y el colorido brillante de los pintores.
En estos primeros años de la década de 1470 realizara escenas de gran belleza como El regreso de Judith a Betulia, una segunda Epifanía o la Virgen de la Eucaristía.
Posteriormente se iniciará una estrecha relación entre la familia de los Médici y Botticelli. En Julio de 1481 es llamado por el papa Sixto VI para trabajar en la decoración de la Capilla Sixtina. La Rebelión contra la Ley de Moisés y la Escena judia y las Tentaciones de Cristo son las dos obras producidas en Roma. En la década de 1480 realizará sus obras más significativas: La serie de Nostagio degli Onesti, La Madonna del Magnificat o de la Granada y sus escenas mitologicas -El Nacimiento de Venus y la Primavera- creciendo así su prestigio, en estos años aumentaran los encargos de las familias más notorias de Florencia.
En la década de 1490, la influencia del monje benedictino Girolamo Savoranola en la religiosidad de los florentinos, afecta al propio Botticelli y sus obras sufrirán un cambio hacia el ascetismo -La piedad, La Coronación de la Virgen o la famosa tabla de La Calumnia de Apeles. El 7 de septiembre de 1497 Savoranola efectuará la primera "hoguera de las vanidades" , en Florencia donde serán quemados diversos objetos de lujo, y Botticelli arrojó al fuego algunos de sus trabajos. Un año después Savoranola será ahorcado y quemado en la hoguera acusado de herejía; conmoviendo el ánimo del pintor y aumentando el ascetismo en sus trabajos como -La Natividad de 1500, la única obra firmada y fechada que se conserva. Botticelli falleció en Florencia el 17 de mayo de 1510.
El había desarrollado un estilo personalisimo, caracterizado por la elegancia de su trazo, su carácter melancólico y la fuerza expresiva de sus lineas. Los criticos del arte hallaron en Botticelli mayor sensibilidad conmoviéndose ante el aspecto desmañado pero profundo, que muestran las imágenes de sus vírgenes melancólicas. Dedico casi toda su vida a trabajar para las grandes familias florentinas especialmente los Médici, para los que pinto retratos -Retrato de Giuliano de Médici (1475 -1476 ), y La adoración de los magos(1476- 1477 ). Integró el circulo intelectual de la corte de Lorenzo de Médici, y recibió la influencia del neoplatonismo cristiano de ese círculo, que pretendía acomodar las ideas cristianas con las clásicas expresándose en; La Primavera (1478), y el Nacimiento de Venus (posterior a 1482) . Sus refinados personajes que forman diseños lineales abstractos bañados por una suave luz dorada, tal vez insinuando representar a Venus como símbolo del amor tanto cristiano como pagano.

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:53 | Comentarios (0)

GIANLORENZO BERNINI

Gianlorenzo Bernini
Nacionalidad: Italia
1598-1680
Estilo: Pos Renacimiento Italiano.
A partir de la tercera década del siglo XVII el Barroco ya hace su plena irrupción. En la evolución histórica de la arquitectura barroca romana tiene una gran importancia la figura de Gianlorenzo Bernini.
Éste nació en Nápoles en 1598, hijo de Pietro Bernini, escultor toscano que será el primero en darle lecciones. Más tarde su familia se trasladara a Roma, donde él y su padre trabajaran casi en exclusiva para los Borghese. En su adolescencia es ya un artista reconocido.
El papa Paulo V Borghese fallece en 1621 y es sustituido por Clemente V Ludovisi y posteriormente sustituido por Urbano VIII Barberini, de origen toscano y que protegería a los artistas de este origen. Este papa tiene una concepción del arte diferente al rigorismo de anteriores papas, con un carácter humanista, siendo el arte un elemento de propaganda y difusión de la grandeza de Roma. Su pontificado se extiende entre 1623 y 1644, momentos de gran agitación política en Europa, con la Guerra de los Treinta Años (1618-1648) en la que se enfrentan las potencias protestantes con las imperiales y católicas del continente. Es esta época se ponen en duda la unidad de la Iglesia y la autoridad papal, concediéndole así el papa suma importancia a la exaltación del pontificado.
Tras el pontificado de Inocencio X, Bernini se ve otra vez auspiciado de la mano de Alejandro VII Chigi, el cual trata de hacer de la arquitectura el modo más evidente de exhaltación del poder estatal del pontífice, encargándole la Plaza de San Pedro del Vaticano (1656-1667).

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:55 | Comentarios (0)

200 AÑOS: RENACIMIENTO

1380 – 1560 - El Renacimiento expresa un movimiento y una época donde se retorna al estudio e imitación de la literatura, arte y filosofía de la antigüedad clásica griega y romana En pintura la renovación hacia lo clásico se realiza por medio del estudio del natural y de la aplicación de las leyes de la perspectiva, únicamente este arte recibe la influencia greco-romana a través de la arquitectura y la escultura.
Los cimientos de la renovación son varios, el eje más atrayente es el Humanismo orientado hacia el papel central del hombre y sus actos. La anatomía del hombre fue objeto de un minucioso estudio por parte de científicos, que dibujaban ordenadamente sus descubrimientos, involucrándose con frecuencia el rol del científico con el del pintor. Un pintor convenía de tener profundos conocimientos de teología, historia y mitología para estar autorizado en la representación de la historia que debería de narrar, el tornar a concentrarse en lo humano no es una dejadez de lo divino, por el contrario, lo divino es percibido desde la perspectiva humana para conferirlo de mayor significación: Dios trata de concebirse evidente a la razón humana, en vez de limitarlo a la impresión de la fe. Para una conveniente representación de la historia y de los personajes el pintor debería de laborar terceras ramas del saber: para los seres humanos, sé artículo anatomía y fisiología, también hubieron de estudiar mitología, lenguas clásicas y teología para representar dignamente, las escenas, los vestidos y los ambientes. La conquista de la tercera dimensión es fortalecida al colocar las figuras sobre un paisaje o en un interior, así tanto el propio volumen de la figura establece la profundidad, como también el hecho de moverse en un espacio aéreo a su alrededor.La mayor parte de la producción artística siguió consagrada al tópico religioso, con tres propósitos fundamentales: acrecentar la garantía de la predicación, lograr la emoción del fiel y conservar el dogma por medio de las imágenes. No obstante se introduce con ímpetu la pintura profana; por un lado germina el retrato representando a los mecenas de los pintores o a efigies representativas del saber, tanto moderno como antiguo; por otro la invasión del neoplatonismo florentino con representaciones paganas que se reajustan al cristianismo. La razón se recupera apoyándose en la reintroducción de la sabiduría clásica: los textos de la antigüedad que se atesoraban se traducen. Se inicia con vigor la pompa del retrato, se introducen mitologías, usualmente con trasfondo religioso e incluso misteriosos, es el caso de la obra de Botticelli, EL TRIUNFO DE LA PRIMAVERA.
Es esta etapa cuando los artistas principian en firmar sus obras, sus antecedentes biográficos son recogidos por los entendidos en arte, y sus teorías pictóricas están impregnadas de gran elaboración intelectual. El renacimiento se organiza en dos hemisferios, el Quattrocento o siglo XV y el Cinquecento o siglo XVIEn el Renacimiento, sus integrantes se autodenominan como hombres del Renacimiento, e inauguradores de una nueva Edad, la Edad Moderna, por oposición a la Edad Media , lazo de transición entre la grandiosidad de la Antigüedad clásica y su propia época.

Escrito por xokibalam el 12/04/2007 07:56 | Comentarios (0)

Un Mundo